Traición y muerte en Temple Church

Macbeth and Lady Macbeth en Temple Church
La muerte de Macbeth
Harry Anton, Robyn Holdaway, Nathan Hamilton, Louise Templeton, Bryony Tebbutt. Foto: Scott Rylander.

En 2005 Ben Horslen y John Risebero crearon Antic Disposition, una productora teatral dedica a los clásicos, especialmente Shakespeare, pero desde unas propuestas innovadoras y nada convencionales. Un matiz distintivo son los lugares en los cuales que realizan las representaciones, castillos, edificios emblemáticos, iglesias…

La muerte de Thane Ross

Este año han presentado Macbeth, primero en una gira por varias ciudades francesas y desde el 20 de agosto en Londres. Las funciones en la capital británica tienen lugar en Temple Church, una iglesia del siglo doce construida por lo templarios. Entre las curiosidades del edificio se encuentra que fue el lugar donde se firmó la Carta Magna, en la literatura aparece en la obra Henry VI de Shakespeare y en la novela El código Da Vinci de Dan Brown.

Para realizar esta versión de Macbeth Ben Horslen y John Risebero, codirectores del espectáculo, decidieron explorar los orígenes de la obra fechada en 1606, así como algunas de las más aclamadas representaciones que tuvieron lugar desde mediados del siglo veinte hasta la actualidad, según reconocen en el programa de mano han incorporado determinados elementos de ellas en su adaptación.

Algunas de las peculiaridades de esta versión son: las brujas tienen mayor protagonismo, se ha trasladado la acción a la época victoriana o que han potenciado la desintegración mental del protagonista.

Las producciones de Antic Disposition están muy elaboradas y cuidadas hasta el mínimo detalle, siempre van a acompañadas de una banda sonora original, en esta ocasión ha sido compuesta por James Burrows.

El equipo artístico está compuesto por seis actores y cuatro actrices, algunos interpretan varios papeles. Todos tienen una dicción perfecta, modulan y proyectan su voz, no utilizan micrófonos, de manera insuperable.

John Risebero se encarga del diseño escénico, la acción tiene lugar sobre una pasarela de madera situada en el pasillo central del templo, los espectadores, situados a ambos lados, ocupan los bancos de la iglesia, la elevación de escenario permite una visión correcta desde cualquier punto.

Los grandes aciertos de este montaje son: la adecuación de la trama al espacio, que la sangre derramada queda fuera de escena (solamente se puede ver en las sábanas que lavan las sirvientas, en el fantasma de Banquo y en las manos de sir y lady Macbeth) con lo cual se consigue un efecto más dramático de las situaciones violentas y el magnífico trabajo de luces y sonido que consigue crear la atmósfera adecuada en cada momento de la representación.

El fantasma de Banquo
Bryony Tebbutt, Peter Collins y Robyn Holdaway. Foto: Scott Rylander.
Macbeth se representa en Temple Church de Londres hast el 7 de septiembre.
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Dogfight, ganar con la más fea

Cartel de Dogfight en la producción de The British Theatre Academy en Londres
Eddie y Rose en Dogfight The British Theatre Academy
Claire Keenan y Stephen Lewis-Johnston.

En 1991 se estrenó Dogfight, titulada en nuestro país La última apuesta, una película dirigida por Nancy Savoca e interpretada por River Phoenix y Lily Taylor, el guión escrito por Bob Comfort situaba la acción en San Francisco en 1963, los protagonistas eran unos marines de permiso veinticuatro horas que realizan una apuesta, conocida como dogfight, que ganará el que lleve al baile a la chica más fea. Desesperado porque aún no ha encontrado pareja Eddie entra en un café donde trabaja Rose, la chica no cumple con el requisito pero le propone que le acompañe, a partir de ese momento sigue el esquema chico conoce chica, la pierde y la recupera.

En 2012 el film fue convertido en un musical con libreto de Peter Ducan. La música y letras fueron escritas por Benz Pasek y Justin Paul, quienes aunque ya habían realizado varios trabajos y conseguido algunos premios, no eran tan populares como tras el Globo de Oro y Oscar por City of star, el Tony y Grammy por Dear Evan Hasen y la banda sonora de The greatest showman.

Escena grupal Dogfight en Southwark Playhouse

La premier europea de Dogfight tuvo lugar en 2014 en Southwark Playhouse de Londres, la misma sala que desde el 19 de agosto acoge una nueva producción del musical realizada por The British Theatre Academy. Un montaje que impresiona por las buenas interpretaciones del elenco, encabezado por Stephen Lewis-Johnston, como Eddie, y ClaireKeenan como Rose quienes ejecutan unas actuaciones excelentes, también destacan Matthew Michaels, Berstein, Charlotte Coles, Marcy, Joe Munn, Boland, o Evan Blanque en diversos papeles.

La banda, formada por tres músicos, dirigida por Leo Munby tocan las composiciones de Pasek y Paul con precisión. Dean Johnson y Andrew Exeter basaron su puesta en escena en la utilización de cajas y palets de madera para crear los accesorios necesarios en cada cuadro, una de las escenas más originales es el paseo de los protagonistas por las calles de la ciudad, unos actores portan un palo con una bombilla colgada a modo de farolas. Una perfecta combinación de sonido y luces (diseñadas por Andrew Exeter) transportan a la audiencia a la guerra de Vietnam.

Entre el público se encontraban algunos de los actores del segundo elenco que disfrutaron enormemente del musical, se les notaba en la atención que mostraban, en las expresiones faciales y los gestos. He de reconocer que a me gustó mucho más en esta ocasión que cuando lo vi en hace cinco años.

Carteles The British Theatre Academy en Southwark Playhouse
Once on this island/Dogfight
Hasta el 31 de agosto las dos salas de Southwark Playhouse están ocupadas por magnificas producciones de The British Theatre Academy: Once on this island y Dogfight.

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La reina del Niágara

La reina del Niágara
La reina del Niágara promocionándose
Trudi Camilleri. Foto: Stephen Russell.

En abril la productora Pint of Wine estrenó en el Brockley Jack Studio Theatre de Londres Queen of the mist, un musical de Michael John LaChiusa sobre Anna Edson Taylor, la primera persona que sobrevivió tras descender las cataratas del Niágara en un barril. Debido a las críticas recibidas y a la buena acogida del público, la obra ha sido transferida a Charing Cross Theatre.

La reina del Niágara con su representante

Bajo la dirección de Dom O’Hanlon, la soprano australiana Trudi Camilleri se convierte en Anna Edson Taylor, una maestra que a los sesenta y tres años decidió tentar a la suerte diseñando un barril que resistiera el salto del desnivel del río Niágara. Will Arundell es Frank Russell, el primer representante de la aventurera. Les acompañan Emily Juler, Emma Ralston, Tom Blackmore, Connor Mcfarlane y Andrew Carter quienes interpretan diferentes papeles.

Tara Usher se ha encargado de la realización del escenario, ha decidido situar la acción en el medio de la sala, con los espectadores enfrentados en ambos extremos. La izquierda y derecha están ocupadas por dos librerías llenas de objetos, en una de ellas se encuentra la orquesta, algunos de los estantes son extraídos para formar escaleras o el puesto de venta de souvenirs. Las maletas son utilizadas como complemento de varias de las escenas. Un buen diseño escénico que complementa la historia.

La música está interpretada por una banda compuesta por ocho miembros dirigidos con precisión por Connor Fogel.

Una escena de Queen of Mist utilizando las maletas
Escena con maletas. Foto: Stephen Russell.

Siempre es interesante asistir a una función de Michael John La Chiusa, quien se ha forjado fama de ser uno de los grandes transformadores del teatro estadounidense por el estilo personal de sus composiciones y libretos alejados de los convencionalismos. Entre sus musicales se encuentran: Chronicle of a death foretold, adaptación de la novela de Gabriel García Márquez, Bernarda Alba, versión de la obra de Federico García Lorca, The wild party, sobre un poema de Joseph Moncure March o Marie Christine, la tragedia de Medea trasladada a Nueva Orleans y Chicago a finales del siglo diecinueve. Estos trabajos le ha llevado a estar nominado cinco veces a los premios Tony.

En Queen of the mist el autor no solamente ha querido representar la vida de Anna Edson Taylor, ha enfrentado a su protagonista a la historia de su país, en el argumento aparece el asesinato del presidente William McKinley, la I Guerra Mundial y los cambios en la sociedad. El musical funciona muy bien en la primera parte, pero tras el descanso decae la historia, aunque en la segunda asistimos a uno de los momentos de lucimiento de Emma Ralston en el papel de Carrie Nation.

Queen of the mist permanecerá en el Charing Cross Theatre hasta el 5 de octubre.
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Stanley Kubrick en el museo

La naranja mecánica
Las claquetas de Kubrick
Algunas de las claquetas usadas por Stanley Kubrick . Foto Ed Reeve para Design Museum.

Coincidiendo con el veinte aniversario de la muerte de Stanley Kubrick el Design Museum de Londres inaguró una exposición dedicada al cineasta estadounidense, británico de adopción, uno de los grandes genios de la historia del cine.

Casco usado en La chaqueta metálica

La muestra está dividida en varias estancias dedicadas a algunos de sus films: Barry Lindon, 2001: una odisea del espacio, La chaqueta metálica, La naranja mecánica, El resplandor, Senderos de gloria, Espartaco, Lolita, Eyes wide shut y ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú. Los visitantes acceden al muestra pisando una réplica de la alfombra roja usada en El resplandor.

A través de más de setecientos objetos, entrevistas y escenas de las películas se puede comprobar el espíritu perfeccionista, la fascinación por el diseño y el control de cada uno de los detalles que poseía Kubrick.

El director se adelantó al futuro con algunos de los utensilios utilizados en sus films, en 2001 ya se usan tablets o exploran el espacio antes de que el hombre alunizara.

En Barry Lindon usó las cámaras diseñadas para las expediciones lunares de la NASA para rodar a la luz de las velas, unos cirios especiales que pueden verse en la muestra.

La amplia recopilación de documentos de su archivo personal nos permite descubrir la filosofía del realizador, así como su habilidad para crear mundos.

Entre los documentos sonoros se pueden escuchar anécdotas contadas por personas allegadas a Stanley Kubrick. Las páginas de los guiones con sus anotaciones demuestran el perfeccionismo que mostró en cada una de sus películas. Antes de rodar se impregnaba de todo el material existente sobre el tema, en la exhibición puede verse una parte de la bibliografía que fue acumulando sobre Napoleón, el film sobre el emperador francés que no pudo llevar a cabo.

Ropa procedente de El resplandor.
Los vestidos de las hermanas Grady y el jersey de Danny. Foto: Ed Reeve para Design Museum.

Entre el vestuario que se puede contemplar se encuentran los vestidos de las hermanas Grady y el jersey de Danny en El resplandor, la ropa usada por Laurence Oliver en Espartaco, uno de los trajes de Ryan O’Neil en Barry Lindon, el que llevaba Malcolm McDowell en La naranja mecánica o el que utilizan los homínidos de 2001.

Máquina de editar
Edición de La chaqueta mecánica. Foto: Ed Reeve para Design Museum.

Espartaco fue la primera película que vi de la filmografía de Stanley Kubrick, desde ese momento no perdí ninguno de sus films, recuperé los anteriores, me convertí en uno de sus fans, por ese motivo visitar la exposición, encontrarme con Hal 9000, descubrir localizaciones situadas en Londres que desconocía o hallarme con la reproducción de Korova milk bar fue como transportarme a otra dimensión.

2001: Space Odyssey
Entrada a la exposición. Foto: Ed Reeve para Design Museum
Stanley Kubrick: The exhibition en el Design Museum, 224 – 238 Kensington High Street, de Londres, hasta el 17 de septiembre.

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Showtune, el cancionero de Jerry Herman.

Las canciones de Jerry Herman
Samara Rawlins
Samara Rawlins

El compositor y letrista Jerry Herman es una de las leyendas del teatro estadounidense, algunas de sus canciones han llegado a ocupar los primeros puestos de las listas de éxitos. Ha sido galardonado con numerosos premios, entre ellos dos Tony por Hello, Dolly! y La jaula de las locas. Otros de sus musicales son: Mame, Mack and Mabel, Milk and honey o Dear world. En 1996 publicó Showtunes, un libro de memorias, su título fue utilizado por Paul Gilger para realizar un espectáculo homenaje al músico.

Tres de los actores de Showtunes

Desde el 7 de agosto Showtunes puede verse en el Union Theatre de Londres. Cinco actores y cinco actrices son los encargados de cantar los más de cuarenta temas que suenan durante la función.

No hay texto, las letras escritas por Jerry Herman han sido agrupadas de tal manera que incluso aunque perteneciendo a obras diferentes en algunos momentos desarrollan una historia.

El espacio escénico está ocupado por elementos que recuerdan al backstage y los camerinos de un teatro. En la primera parte la compañía viste de manera informal, con deportivas, chándal o albornoces, para algunos de los números se ponen los kimonos y boas distribuidos por la sala. En la segunda parte, sin embargo, se engalanan con vestidos y trajes.

Algunas canciones no se interpretan como fueron concebidas, en I won’t send roses mezclan la parte de Mack con la réplica de Mabel. En el tema Bosom Buddies, que tiene mucho humor en si mismo, aquí lo acrecientan haciendo que sean Mame y Dolly quienes lo canten.

Lo más destacado de la obra es Henry Brennan, director musical y acompañante al piano, el único instrumento que suena en directo, quien ejecutó las melodías con un gran precisión y muy buen gusto.

El único punto negativo de Showtunes fueron los espectadores, algunos no se habían enterado que no había participación de la audiencia y molestaron canturreando algunas de las composiciones.

Un detalle un tanto especial es que una de las actrices entra en escena con una bolsa de lona en la que pone I’m with Sondheim, no parece lo más apropiado que para celebrar a Jerry Herman se recuerde a su rival, a quien venció en la entrega de los Tony de 1984, cuando competían La jaula de las locas y Sunday in the park with George.

Jerry Herman Showtunes del 7 al 24 de agosto
Cartel de Showtunes en Union Theatre.
Showtunes estará en cartel en Union Theatre de Londres de martes a domingo hasta el 24 de agosto.
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Once on this island

Once on this island en Londres2019
Once on this island 2019 Londres
Chrissie Bhima y Martin Cush. Foto Elza Wilmot.

De los cuatro musicales que The British Theatre Academy presenta este verano en Londres, el tercero ha sido Once on this Island de Lynn Ahrens y Stephen Flaherty, una pareja artística que no han parado de estrenar musicales desde que se conocieron 1982, Lucky stiff (1988), My favourite year (1992), Ragtime ( 1998) o Anastasia (2016) son algunos de ellos.

Kyle Birch como Agwe, dios del agua

Once on this island fue la segunda colaboración del compositor y la escritora, el argumento procede de la novela de Rosa Guy My love, my love.

La acción transcurre en el archipiélago de las Antillas donde los dioses Agwe (agua), Asaka (tierra), Erzule (amor) y Papa Ge (muerte) rigen los destinos de los mortales. Los habitantes están separados en dos estratos sociales: los pobres, campesinos de piel oscura, y los ricos, descendientes de los plantadores franceses y de sus esclavos, de dermis más clara. Una historia de amor entre Ti Moune, adoptada por unos agricultores tras una tormenta, y Armand, el heredero de los Beauxhommes, intentará unir a los habitantes de la isla, pero las tradiciones y el destino impedirá la fusión.

Simon Wells ha sido el encargado de transformar la sala grande de Southwark Playhouse en una isla del Caribe, para ello ha colocado a los espectadores en dos bandas enfrentadas, en el suelo un mapa de las Antillas, ropa tendida por las tribunas y mucha imaginación, con unos neumáticos y cuatro cubos de madera forman una cama de un hotel de lujo. Muy bonito la conversión en árbol con las cintas del vestido cubriendo todo el espacio

Algunos detalles del vestuario resultan curiosos, la parte posterior de la máscara de Agwe (foto de la derecha) está cubierta con una ducha de teléfono y botellas de plástico, supongo que un detalle para recordarnos la contaminación de nuestros mares.

Lee Proud ha dirigido y coreografiado el espectáculo, una buena labor, las danzas fueron recibidas con considerables ovaciones, en especial en la que hubo participación de algunos espectadores. Lo más destacable de la producción son las voces femeninas, Chrissie Bhima hizo derramar lágrimas a uno de los espectadores en su primera canción. Al final de la representación el público celebró la actuación puesto en pie y aplaudiendo con entusiasmo.

Danzando en la isla
Bailando en la isla. Foto: Elza Wilmot.
La producción de The British Theatre Academy se estará representando en Southwark Playhouse de Londres hasta el 31 de agosto.

Fotos: Elza Wilmot

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La madre de Esmeralda/The Hunchback of Notre Dame

El jorobado de Notre Dame
El jorobado de Notre Dame 2
Robert Rhodes como Quasimodo

La compañía británica Iris Theatre presenta todos los veranos varios espectáculos en los jardines y el interior de St. Paul Church, más conocida como la iglesia de los artistas, situada en el Covent Garden londinense. Su segunda propuesta para este año es una versión de la novela de Victor Hugo Nuestra señora de Paris. Aunque el título que han escogido es The hunchback of Notre Dame, Benjamin Polya, el adaptador, da más protagonismo a Sister Gudule, la madre de Esmeralda, que a Quasimodo.

Una de las características de las producciones veraniegas de Iris Theatre es que se realizan al aire libre, los espectadores van siguiendo a los actores por los distintos escenarios donde se desarrollan los acontecimientos. El director de la producción es Bertie Watkins quien ha incorporado al montaje una de sus señas de identidad: la participación de los espectadores, hace cinco años que dirige COLAB Theatre, uno de los más reconocidos teatros inmersivos de Londres, aunque esta función no puede incluirse en esa categoría, es verdad que los asistentes se sienten incluidos en la representación.

El jorobado de Notre Dame 3
Katie Tranter y Max Alexander-Taylor

Seis actores-músicos se encargan de interpretar a más de veinticinco personajes. De todos ellos destaca Katie Tranter, tan pronto la vemos haciendo de Pierre como de Fleur-De-Lys, cada uno de sus papeles los declama de manera diferente, dándoles un toque especial que no parece que es la misma actriz quien los interpreta, además tiene unas grandes dotes para la improvisación y la interacción con la audiencia.

Otro de los personajes de la obra es el público, a alguno le puede tocar hacer de cabra, de jurado…. todos participan en las escenas de lucha, en las de arrojar piedras o señalar a los reos, la concurrencia participa con agrado de esta manera inusual de sentir un espectáculo teatral.

The Hunchback of Notre Dame se representa hasta el 1 de septiembre en St Paul’s, the Actors’ Church de Londres

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Blues in the night

Blues in the night en Kiln Theatre de Londres
Aston New, Sharon D Clarke & Joseph Poulton. en Bulues in the night en el Kiln Theatre de Londres
Aston New, Sharon D Clarke & Joseph Poulton. Foto: Matt Humphrey

En los ochenta Sheldon Epps concibió Blues in the night, una revista musical donde a través de temas clásicos del blues se intenta contar una historia. El Kiln Theatre ha repuesto esta obra en Londres, la ciudad donde el original consiguió su mayor éxito. Las primeras producciones, tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña, fueron dirigidas por Sheldon Epps, en esta ocasión la responsable de la realización ha sido Susie McKenna, directora asociada al Kiln Theatre.

Uno de los elementos más atractivos de este montaje es la presencia en el reparto de Sharon, D Clarke, una actriz con una voz prodigiosa, lo ha demostrado en We will rock you, Ghost o recientemente en Caroline or Change, y grandes dotes para la interpretación, ya sea comedia o drama, su próximo trabajo en el West-End será La muerte de un viajante, un montaje que triunfó este año en el Young Vic.

Blues in the night en el Kiln Theatre de Londres dirigido por Susie McKenna
Gemma Sutton, Debbie Kurup, Clive Rowe & Sharon D Clarke. Foto Matt Humphrey

La acción transcurre durante una jornada en un hotel de Chicago en 1938, Robert Jones ha recreado el ambiente de un local de la época, con el bar al fondo, las habitaciones de las tres mujeres distribuidas por el espacio, no le falta detalle: un ascensor que no funciona o un suelo con baldosas con figuras geométricas, al igual que hiciera con la reposición de El violinista en el tejado vuelve a conseguir que el espectador se sienta transportado al alojamiento.

Blues in the night en el Kiln Theatre de Londres dirigido por Susie McKenna

Sharon D Clarke conocía perfectamente la producción original del West-End, con veintidós fue la sustituta del personaje que ahora interpreta. Su experiencia no fue utilizada por Susie McKenna quien no se ha limitado a reproducir montajes anteriores, ha creado una puesta en escena original. Uno de los cambios que ha introducido ha sido la incorporación de nuevos personajes, dos hombres que sirven de coro y cuerpo de baile, para ellos Frank Thompson ha creado unas coreografías de una gran belleza, es una pena que Aston New y Joseph Poulton no participen en más escenas.

Los cuatro interpretes Clive Rowe, Debbie Kurup, Gemma Sutton y Sharon D Clarke realizan una actuación de un alto nivel, cada uno de sus números es aplaudido con entusiasmo por el público.

Blues in the night es uno de los mejores espectáculos que se pueden ver en estos momentos en Londres, todo el conjunto de la producción lo convierten en una obra redonda.

Blues in the night se estará representando en el Kiln Theatre de Londres hasta el 7 de septiembre.
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Los puentes de Madison

Los puentes de Madison
Los puentes de Madison en Menier Chocolate Factory
Maddison Bulleyment & Jenna Russell. Foto: Johan Persson.

The bridges of Madison County (Los puentes de Madison), la novela Robert James Waller, fue convertida en un musical por Marsha Norman, libreto, y Jason Robert Brown, música y letras. Tras su presentación en 2013 en Williamstow, Massachusetts, tuvo su premier en Broadway en 2014, el espectáculo obtuvo cuatro candidaturas a los premios Tony, se llevó los dos en los cuales estaba nominado Jason Robert Brown, partitura y orquestaciones.

El estreno europeo del musical se ha producido el 23 de julio en la sala londinense Menier Chocolate Factory. Una producción dirigida por Trevor Nunn, con diseño de escenario y vestuario creados por Jon Bausor e interpretada en sus principales papeles por Jenna Russell y Dale Rapley.

Los puentes de Madison, el musical.
Jenna Rusell & Edward Baker-Duly. Foto: Johan Persson.

He de reconocer que no he leído la novela, pero sí he visto la película de 1995, dirigida y protagonizada por Clint Eastwood, siendo un seguidor del trabajo del estadounidense, este film nunca me ha interesado. Lo que me atrapó para asistir a una representación del musical fue que Jason Robert Brown había escrito las canciones, para mí es uno de los mejores compositores teatrales de todos los tiempos. En esta ocasión ha querido enmarcar los temas en el momento y lugar donde transcurre la acción (Iowa, 1965), para ello ha utilizado diferentes estilos desde el folk o el country, hasta el pop o la ópera. Sin duda la partitura es uno de los grandes aciertos de la adaptación

Jenna Russell como Francesca en The Bridges of Madison County.

Otro de los motivos que me interesó de esta producción fue que estaba protagonizada por Jenna Russell (foto izquierda), una actriz que siempre sorprende con sus interpretaciones, todas las veces que la he visto en los escenarios, he salido con una sensación de haber presenciado una actuación excelente. Lo vuelve a hacer en The bridges of Madison county, solamente por ella merece la pena asistir, su Francesca está llena de matices, desde el acento italiano, hasta cada uno de los movimientos que ejecuta o las expresiones faciales con las que muestra los sentimientos del personaje.

Del reparto también hay que destacar el trabajo de Gillian Kirkpatrick, la vecina fisgona pero entrañable, magnífica como interprete y cantante, uno de los momentos más mágicos de la obra es cuando canta Get close. El público se rinde ante Shanay Holmes interpretando del tema Another life. Paul F Monaghan alcanza su mejor momento con la canción When I’m gone.

Trevor Nunn ha conseguido que este musical de tres horas no resulte plúmbeo, pero no podemos incluirlo en la lista de sus mejores trabajos. La escenografía recuerda a otras propuestas del director, suelo giratorio (Los Miserables), proyecciones de decorados ( The woman in white), madera marcando los límites del escenario (El violinista en el tejado). En esta ocasión no encontramos barricadas pero podemos adentrarnos en Roseman covered bridge. Un detalle que me resultó curioso fue la reproducción de los papeles pintados que proyectaban en algunas de las escenas que transcurrían en la granja de los Johnson o en las de sus vecinos

Los puentes de Madison
Gillian Kirkpatrick & Paul F Monghan. Foto: Johan Persson.

The bridge of Madison County continuará en la sala Menier Chocolate Factory de Londres hasta el 14 de septiembre.

Todas las fotos han sido realizadas por Johan Persson

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Todas las noches de un día

Todas las noches en un día
Todas las noches de un día
Carmelo Gómez y Ana Torrent en el invernadero

Todas las noches de un día es una obra de Alberto Conejero que protagonizan Ana Torrent y Carmelo Gómez. Un texto que como bien recoge en el programa Luis Luque, director de la puesta en escena, proporciona un ejercicio dramático de alta densidad poética.

La acción transcurre en un invernadero. El jardinero que lo cuida es interrogado por la desaparición de la dueña de la casa. El espectador se adentra en ese espacio único para descubrir los secretos que esconden Silvia y Samuel. Alberto Conejero, al igual que hiciera hace unos años con La piedra oscura, vuelve a contar con solamente dos personajes para contar una historia llena de misterio, amor, pasión y devoción.

Ana Torrent y Carmelo Gómez

Carmelo Gómez y Ana Torrent se convierten en Samuel y Silvia, sobre el escenario no parecen una actriz y un actor interpretado un texto ajeno, no queda rastro de las personas, se transforman en los personajes que creó el autor.

La escenografía ha sido diseñada por Mónica Boronello. El escenario queda enclaustrado en las vidrieras del invernadero, una mesa y una silla son los únicos elementos que aparecen sobre las tablas, no se necesitan más, el resto lo ponen los interpretes. La luz juega un papel importante en el desarrollo de la acción, enmarca  el pasado y el presente de la historia. Un trabajo excelente de Juan Gómez-Cornejo.


Todas las noches de un día se representa de martes a domingo en el teatro Bellas Artes de Madrid hasta el 6 de enero. 

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